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2006法国纪录电影展参展影片介绍—外省与外国

2006-10-23

2006法国纪录电影展参展影片介绍—外省与外国

2006年06月07日16:29 阳光文化

  第三单元:外省与外国

  据说“外省”一词源于法国,巴黎之外统称“外省”。准确地说,这个词源于巴黎,明显带有“巴黎沙文主义”色彩。有人说巴黎之外不算法国(老巴黎人有一句口头禅“出了巴黎就是沙漠”),也有人说是外省才是真正的法国。两种说法各有道理。虽然巴黎汇聚了法国20%的人口,但是外省占据着法国97%的国土。巴黎拥挤,外省幽静;巴黎人多而冷漠,外省人少而热情;巴黎前卫,外省传统;巴黎人瞧不起外省人,却向往外省人贴近自然的生活方式;外省人看不惯巴黎人,却羡慕巴黎人繁华的商业活动、浓厚的文化氛围、丰富的艺术资源……。然而,在电影方面巴黎人没有理由瞧不起外省人,因为电影的发明者卢米埃尔兄弟就是外省人(他们的故乡里昂曾是高卢的首都,历史比巴黎还要悠久,虽然中世纪以来法国首都的地位被巴黎取代,但是里昂人的傲气犹在)。言归正传,无论巴黎还是外省,都为法国纪录电影提供了丰富的灵感和题材。本单元的影片大多数是反映外省生活的,另几部是法国电影工作者在外国拍摄的。

  《夏尔特》(Chartres,让•格莱米勇,1923年|13分钟|35毫米|黑白|无声)描绘了法国中央地区厄尔卢瓦省夏尔特市的大教堂及其周围风光。一望无际的麦田里,耸立着萨尔特大教堂。在看到教堂的门楣、石雕人像和排水道上方的石雕怪兽之前,首先跃入镜头的是高耸在城市上方的尖塔。然后,摄影机沿着下城拍摄,依次展现了教堂周围的老房子及其在运河中的倒影,洗衣妇们在河边洗衣。本片是让•格莱米勇导演的处女作,而且是近年被发现和修复的。格莱米勇拍摄本片时,采用在摄影机前放置圆形或三角形遮挡片的方法突出刻画了景物的细部,利用逆光拍摄巧妙表现了教堂圆花窗的图案,后期制作阶段采取淡出淡入等模糊手段进行镜头转接。这些手法的运用充分显示了一位22岁年轻人在电影艺术方面的天分,尤其是细腻的导演艺术才能。关于本片导演让•格莱米勇,参见第一单元《安德烈•马松与四种元素》影片简介。

  《法尔比克》(Farrebique ou les quatre saisons,乔治•鲁吉埃,1946年|92分钟|35毫米|黑白|有声)以搬演的手法记录了法国南部普罗旺斯地区一户农民的生活。在一个叫固特兰的村子里,法勒比克一家筹划着如何过冬。他们讨论是否修缮年久失修的祖屋,年迈的父亲固执己见,坚持不要破坏祖屋的完整性。从这个简单而富有戏剧性的家庭争论开始,通过四季的更迭,影片展现了法国一户普通农民的日常生活(本片的完整片名为“法尔比克或四季”)。本片导演乔治•鲁吉埃(Georges Rouquier,1909—1989)生于本片所描绘的法国南部,在这部向故乡致敬的影片里,他通过非职业演员的表演重现了法国南部乡村生活,呈现给观众的真实并非严格意义上的纪录电影的真实,而是更加内在富有诗意的真实。本片可以说是法国版的《北方的纳努克》,鲁吉埃拍摄本片时曾经受到美国纪录片大师罗伯特•弗拉哈迪的启发。本片荣获1946 年戛纳电影节评委会大奖和法国电影大奖。38年后,鲁吉埃重游故地重访故人,拍摄了本片的续集《比克法尔》(Biquefarre,即将原片名的两个音节颠倒过来,本片又名《38年后》,荣获1983年威尼斯电影节评委会大奖)。此外,鲁吉埃还当过演员,在科斯塔—加夫拉斯导演的影片《Z》中扮演总检察官。

  《海藻》(Goémons,雅尼克•贝隆,1948年|23分钟|35毫米|黑白|有声)记录了法国西部一个海岛上居民的日常生活。在法国西部海域的贝尼德岛上,居住着一对夫妇和他们的五六个雇员。他们每天的生活就是不停地拣拾海藻,然后卖给偶尔从大陆来的商人。冬天,他们冒着惊涛骇浪拣回来的黑色海藻其实值不了几个钱,只有夏季出现的红色海藻才给他们带来些许安慰。本片导演雅尼克•贝隆(Yannick Bellon)1924年生于法国与西班牙交界的小城比亚利兹,母亲是法国超现实主义摄影家,叔叔是电影演员(曾在让•雷诺阿的影片中扮演角色)。1940年代中期,贝隆成为巴黎高等电影学院的首届学生,一年后中断学业。本片是她的处女作,荣获1948年威尼斯双年展最佳纪录片国际大奖,被评论家称为法国版的《无粮的土地》(西班牙导演路易斯•布努埃尔完成于1932的纪录片)。贝隆是法国早期电影史上为数不多的女性电影导演之一,她的影片善于以女性视角描写人与人之间的关系,讲述宽容与忍让的道理。

  《卢瓦河谷的木鞋匠》(Le sabotier du Val de Loire,雅克•德米,1956年|24分钟|35毫米|黑白|有声)以搬演的手法记录了法国西部卢瓦河畔一户农民的生活。在南特附近卢瓦尔河畔的一个小村庄里,住着一个木鞋匠和他的妻子及他们的养子。木鞋匠的工作就是日复一日地用古老的工艺制作木鞋,有时他的生活中也会发生一些重大事件,比如他的老朋友于贝尔去世了,他给妻子买了一辆崭新的独轮车。一个周末,木鞋匠和老伴到镇上作完弥撒之后来到卢瓦河边钓鱼,在镇上裁缝铺工作的养子由于要跟女友约会而没有陪他们去钓鱼。本片导演雅克•德米(Jacques Demy,1931—1990)生于本片描绘的法国西部卢瓦省,自幼喜爱电影。他在独立拍片之前担任过乔治•鲁吉埃的助手,本片是在鲁吉埃监制下完成的,在指导非职业演员方面深得鲁吉埃的《法勒比克》的真传,而本片的片名以及拍摄手法令人想起意大利导演艾马诺•奥尔米完成于1978的著名影片《木屐树》。在新浪潮电影运动时期,德米转拍故事片,他在南特拍摄的《劳拉》(1960)受到广泛好评。德米的影片颇具浪漫色彩甚至传奇风格,其他代表作还有《瑟堡的雨伞》(1964)、《驴皮公主》《1970》。此外,德米的妻子阿涅斯•瓦尔达也是新浪潮电影的重要人物。

  《走近蓝色海岸》(Du c魌éde la c魌e,阿涅斯•瓦尔达,1958年|32分钟|35毫米|彩色|有声)描绘了法国南部蓝色海岸天堂般的美景及其鲜为人知的另一面。天堂在哪里?有人说就在法国南部的蓝色海岸,那里有美丽的阳光、细软的沙滩和成群的游人,甚至英国女王、大画家毕加索都忍受不住这里的美景的诱惑。在裸体主义者独占的岛屿上,马儿在海边悠然踱步,游人赤身裸体躺在沙滩上晒太阳。这一切似乎告诉人们:这里离天堂很近。然而影片告诉人们:这一切都是错觉,这里不属于当地人,那些不远万里赶来的游人也都是冒牌的亚当和夏娃,因为这个天堂是上着锁的。本片以一个左翼知识分子的视角详细描摹了法国土地上这块特殊的“飞地”,令人想起维果的《尼斯的景象》,两部影片确实有异曲同工之妙,区别在于本片比较含蓄,《尼斯的景象》比较凌厉,本片导演阿涅斯•瓦尔达(Agnès Varda)1928年生于比利时首都布鲁塞尔。1954年,她在没有受过任何电影教育的情况下拍摄的电影处女作《短岬村》震撼了法国影坛,成为新浪潮电影的先声作品,她本人也因此被尊为“新浪潮之母”。时至今日,她的艺术创造力依然不减,不断创作出新的富有震撼力的作品(如完成于2000年的纪录片《拾荒者》,参见单万里《DV时代的新浪潮之母——纪念阿涅斯•瓦尔达从影50周年》,载《当代电影》杂志2004年第3期)。

  《大地上的无名者》(Les inconnus de la terre,马利奥•鲁斯波利,1961年|35分钟|35毫米|彩色|有声)讲述了法国中央高原地区的乡村生活。中央高原南部有一个山村,村民以种植葡萄为生。由于大山的阻隔,村民长期过着与世隔绝的生活。现代文明的到来给他们带来了许多问题和忧虑,邻村由于现代化农业机械无法进入整个村子都迁走了,他们的村子还能保留多久?世代延续的生活方式、劳作方式以及他们的风笛舞还能保持多久?本片导演认为,“作为旁观者的纪录比可能引起新的变化的介入更重要更有价值”,因此他在拍摄本片时使用了便携式摄影机,以免引起被摄者的特别反应,以便像“精神分析”那样拍片。本片得到著名学者罗兰•巴特的高度赞扬,认为本片“非常准确,不但清晰而且充满诱惑力”。本片导演马利奥•鲁斯波利(Mario Ruspoli,1925—1986)生于罗马,幼年随母迁居巴黎,曾经在卢浮宫学院学习人类学,毕业后当过记者,因喜欢梅尔维尔和弗拉哈迪的电影而迷上电影,拍过许多人类学纪录片及科学纪录片,并成为“真实电影”的代表人物之一。此外,鲁斯波利既是电影导演,又是昆虫学家、音乐家和作家。

  《是和有》(Etre et avoir,尼高拉•菲利贝尔,2002年|104分钟|35毫米|彩色|有声)讲述了法国一所偏远地区乡村小学的生活。在法国的偏远地区,有一种“单班”学校(即一所学校只有一个班级),班里的所有学生都由一个老师教课,从幼儿园直到小学毕业。本片拍摄于奥弗涅地区的一所“单班”学校。这所学校的孩子们处在一个既封闭又开放的环境中,他们拼凑起来组成一个朝夕相处小集体,共同经历苦与乐。本片是近年来法国最优秀的纪录片之一,情节围绕“传道解惑授业”这个人类文明史上最古老最伟大的职业展开,表现手法质朴细腻。本片导演尼古拉•菲利贝尔(Nicolas Philibert)1951年生于法国南锡,当过伊文思等纪录片大师的助手。他从1978年开始独立拍片,至今拍过20多部纪录片,主要作品有《卢浮城》(1988)、《聋哑人的世界》(1992)、《博物馆里的动物》(1994)、《区区小事》(1996)以及本片。他在谈论本片时说:“拍摄之前,我觉得自己已经忘却了学习与成长是多么艰难的事情。这次重温学校生活,我强烈地回忆起了学习与成长的艰难。这,或许就是本片的主题。”本片不仅荣获许多国际大奖如2002年欧洲电影节最佳纪录片奖、意大利弗罗伦萨法国电影节大奖),而且票房回报超过1千万欧元(约合1亿人民币,参见张献民《成长的艰难——关于尼古拉•菲利贝尔的纪录片〈是和有〉》,载《当代电影》杂志2004年第5期“2004北京国际纪录片展”专辑)。

  《我是一个黑人》(Moi, un Noir,让•鲁什,1959年|73分钟|16毫米|彩色|有声)记录了西部非洲的乡下青年到城市打工的经历。许多尼日利亚青年离开位于内陆的家乡来到沿海国家象牙海岸打工,许多人在首都阿比让的平民区落脚。本片的主人公是一位仿照美国电影明星取名爱德华•罗宾逊的年轻人,他在摄影机前讲述自己及其同伴的故事。本片导演让•鲁什(Jean Rouch,1917—2003)起初是人类学家,拍摄的影片多为人类学纪录片,被誉为法国“真实电影”鼻祖。鲁什的许多纪录片都是在非洲拍摄的,本片的灵感来自他在非洲做人类学调查时的一个发现:在象牙海岸,许多来自内陆的年轻人纷纷改名,但是他们改用的名字并非来自自己部族的守护神,亦非来自民间传说中的英雄人物,而是来自好莱坞的电影明星。这是一个非常有趣的现象,鲁什停下手中的研究工作,在他们中间生活了将近半年,仔细观察他们的生活并与他们密切交流。最后,鲁什邀请他们来到摄影机前,告诉他们说:“你们现在可以做任何你们想做的,说任何你们想说的。”本片荣获1958年法国路易•德吕克电影奖。鲁什在漫长的创作生涯中拍摄的影片超过百部,除了本片,其他代表作还有《疯狂的祭师》(1955)、《夏日纪事》(1961)等。

  让•鲁什是法国人类学电影的最重要代表人物,本单元的上述影片多为人类学电影,或具有人类学性质的电影。以人类学研究为宗旨拍摄的电影,或具有人类学性质的电影,通称人类学电影。由于人类学电影往往以纪录片的形态呈现,所以又被称为人类学纪录片。人类学(anthropology)源于希腊文的“人”(anthropos)和“研究”(logia),意思是“人的科学研究”。这门学科形成于19世纪中叶的西方,在很大程度上来说是由于西方列强开拓殖民地的需要,殖民者需要了解与他们的体制形态和文化信仰相异的族群。作为人文科学的一个分支,人类学的主要任务是研究人类各个种族的种族特性,认识人类社会的结构及其总体演化过程。人类学兴起之初,主要研究对象是原始文化和原住民文化。电影诞生不久,西方人类学工作者开始利用电影从事人类学研究,将自己对不同种族的人类生存形态的考察结果纪录在胶片上,于是出现了人类学纪录片。

  人类学纪录片的别称很多,如人种学纪录片、民族学纪录片、文化学纪录片、社会学纪录片等。“人种学”是我国学界对英文ethnology或法文ethnologie等西文词汇的早期译法(1920年代还有过“民种学”的译法)。继蔡元培在1926年提出“民族学”的概念后,“民族学”的译法沿用至今,与此同时“人种学”的译法仍在使用。由于“人类学”和“民族学”的概念历来不甚分明,相应的词汇往往混用,加上中文翻译产生的混乱,更是令人莫名其妙。一般来说,“人类学”的研究范围比“民族学”宽泛,甚至被看作“人类学”的分支。说起人类学与民族学的关系,西方学界存在如下四种观点:一、民族学是人类学的分支;二、人类学是民族学的分支;三、两者完全相同,人类学即民族学,民族学即人类学;四、两者各自独立,人类学即体质人类学,民族学即文化人类学或社会人类学。对于我们通常所说的“人类学”,德国、奥地利、俄国等欧陆国家称为“民族学”,美国、加拿大等英语国家称为“文化人类学”,英国称为“社会人类学”。总体上看,欧陆所称“民族学”与美英所称“文化人类学”或“社会人类学”互通,研究对象和理论方法相同。总体来说,人类学是运用实地考察的手段比较研究各民族文化和社会的综合学科,广义的人类学涵盖了民族学、民俗学、考古学、语言学、体质人类学等多种学科(参见张明《记录正在消失的文化:人类学纪录片在中国》,载《现代传播》杂志2000年第5—6期;单万里《中国纪录电影史》,中国电影出版社2005年版,第27—31页)。

  《无日》(Sans soleil,克里斯•马凯,1982年|100分钟|35毫米|彩色|有声)以独特的艺术手法表达了作者对几内亚比绍和日本这两个差异极大的国家的看法。几内亚比绍是西非的贫穷国家,日本是东亚的发达国家,这两个截然不同的国家被导演称为当今世界的两个“极点”。在这部影片中,一位周游世界的摄影师拍摄了大量关于这两个国家的影像,并在这个过程中不停地给一位陌生女人写信,陌生女人不停地向观众读信,画面上配以摄影师拍摄的关于这两个国家的影像。本片是一部实验性很强的影片,问世之后立即引起强烈的反响和不同的解读(就像马凯的其他影片那样),尤其是影片中占很大比重的日本部分十分有趣,这部分着重表现了一个西方人对东方国家尤其是日本这样一个处在传统与现代两个极端之间的国家的反应。另外,导演还在这部影片中使用了很多资料镜头和特技效果,画面具有极强的冲击力。关于本片导演克里斯•马凯,参见第一单元《安德烈•塔科夫斯基的一天》影片简介。

  《S21》(S21,里蒂•潘,2002年|101分钟|35毫米|彩色有声)回顾了1970年代红色高棉当政时期的柬埔寨历史。S21是红色高棉当政时期一个军事单位的简称,是一个用来甄别“敌人”和进行“再教育”的场所。20多年后,这里成为展示当年那段不堪回首的往事的重要场所,几位当年被囚禁于此的亲历者以及在此工作或当过看守的人同时出现在影片中,记忆把他们带到了遥远的地方。本片围绕S21这个令人恐惧不安的场所(本片的副标题为“红色高棉杀人机器”),通过当事人的回忆、陈述和指认再现了那段动荡的历史。本片的艺术手法虽然朴素和冷静,但是艺术效果震撼人心。本片完成之后广受好评,荣获日本山形国际纪录电影节优秀影片奖(2003年)、香港国际电影节纪录片人道大奖(2004年)、法国第20届阿尔伯特—伦敦新闻奖音像作品奖(2004年)等许多奖项。本片导演里蒂•潘(Rithy Panh)1964年生于柬埔寨首都金边,11岁时与家人一起被波尔布特当局投入劳改营,4年之后逃离劳改营,亡命泰国。1980年,他随家人辗转来到法国,1985年进入法国高等电影学院学习。1989年,他以泰国的柬埔寨难民营为题材拍摄的第一部纪录片《2号营》入选法国亚眠国际电影节并获重要奖项。此后,他创作了一系列探讨柬埔寨悲剧命运的影片,成为许多国际电影节的焦点作品。1994年,他的故事片处女作《稻农》入围戛纳电影节竞赛单元,荣获新加坡国际电影节最佳女演员奖。1998年,他的故事片《战后的某个夜晚》参展戛纳电影节“一种注视”单元。2000年,他的纪录片《柬埔寨:游魂之地》为他赢得了更加广泛的国际声誉(本片以及《S21》曾经参展“2004北京国际纪录片展”)。

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